Was die Fotografie zum Klimawandel zu sagen hat: Douglas Mandry in der Bildhalle Zürich

Für Monuments liess sich der Schweizer Fotograf von Veränderungsprozessen in der Natur, insbesondere dem Rückzug der Gletscher inspirieren. Mit alpinen Fotografien aus dem frühen 20. Jahrhundert bedruckte der Schweizer Fotograf gebrauchtes Vlies, das zur Abdeckung der Gletscher verwendet wurde, und reflektiert damit nicht nur über das Medium Fotografie im Wandel, sondern die Beziehung zwischen Klimawandel und technologischer Entwicklung. In ähnlicher Weise sind seine Photogramme von schmelzendem Gletschereis auf lichtempfindlichem Kodak-Papier eine fast physische Auseinandersetzung mit der globalen Erwärmung. Auch hier sind der Prozess des Klimawandels und die damit verursachten Vorgänge visuell direkt sicht- und erlebbar. Durch die Umsetzung von historischen Bildern von verschwundenen Landschaften auf hochentwickelten Geotextile bringt er die historische Bildsprache der Region in einen Dialog mit der Gegenwart. Diesen Dialog schafft er auch mit den Collagen und übermalten Fotografien aus seiner neusten Serie Still Wonder, die eine fast haptische Auseinandersetzung mit der Schweizer Landschaft und der Tradition der Landschaftsmalerei sind.

Douglas Mandry studierte Visuelle Kommunikation und Fotografie an der Lausanner Hochschule für Kunst und Design (ECAL). Seine Arbeiten wurden mehrfach für Awards wie den Foam Paul Huf Award oder den Schweizer Design Preis nominiert sowie in Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert. Dieses Jahr wurde Douglas Mandry als Foam Talent 2020 prämiert, eine der international renommiertesten Auszeichnungen an Nachwuchskünstler, die jährlich vom Fotografiemuseum Amsterdam vergeben wird. Wir haben mit dem Fotografen über Umweltfragen, die Fotografie im Wandel und seine aktuelle Ausstellung in der Bildhalle gesprochen.

Die fotografische Auseinandersetzung mit Natur und Klima steht im Mittelpunkt deines Schaffens. Warum ist ein verstärktes soziales und ökologisches Engagement für dich als Fotokünstler, und für die Fotografie im Allgemeinen relevant?

Douglas Mandry: Mich interessiert es, die Veränderungen greifbar zu machen, denen unsere Gesellschaft im neu benannten Anthropozän ausgesetzt ist, und zwar mit verschiedenen Mitteln, einschliesslich verschiedener Medien der Fotografie. In A Brief Crack of Light nimmt meine Arbeit über die Schweizer Gletscher einen grösseren Stellenwert ein und löst damit eine Reflexion über Klimafragen aus. Das Interesse von Künstlern und Fotografen an diesem Thema nimmt in letzter Zeit zu, da wir uns der Dringlichkeit der Situation immer mehr bewusst werden. Womit wir es zu tun haben, ist das Ergebnis jahrhundertelanger Aktionen, und zwar nicht nur im Umweltbereich. Es stehen viele gesellschaftliche Aspekte auf dem Spiel, und es ist jetzt sehr wichtig, sie durch die Kunst ins Blickfeld zu rücken. Es ist unmöglich, den Einfluss des Menschen auf seine Umwelt nicht zu berücksichtigen.

A Brief Crack of Light macht Veränderungsprozesse in der Natur, insbesondere den Rückzug der Gletscher, sichtbar. Was bewegte dich dazu, dich mit Gletscher fotografisch auseinanderzusetzen?

In den letzten Jahrzehnten haben sich die Vorstellungen von Zeit und Raum in unserer Wahrnehmung verschoben. Wie ihre Grenzen durch den technischen Fortschritt verbogen wurden, ist Teil meiner Forschung. Das Gedächtnis der Erde ist durch geologische Formationen und irgendwie durch eine vertikale Zeitlinie sichtbar, von der oberen Oberfläche des Planeten bis hinunter zu seinem Kern. Wir Menschen nehmen die Zeit nur sehr kurz wahr, und zwar visuell durch eine horizontale Linie. Die Auswirkungen der globalen Erwärmung beginnen uns einen weiteren Hinweis auf die Zeit zu geben, eine Art Notfall, der erst jetzt sichtbar wurde, aber schon vor Jahrhunderten begann. Gletscher sind zu einem Thema geworden, da sie eine Art Botschafter der globalen Erwärmung sind. Sie enthalten auch viele nützliche Informationen über die Vergangenheit. Von da aus gehe ich näher auf die Begriffe Erinnerung, Verschiebung und Zyklen ein, aus denen unser Leben besteht.

In der Serie «Monuments» hast du Gletschertücher mit Bildern von Gletschern aus dem frühen 20. Jahrhundert bedruckt. Tücher werden somit zu Bildträgern, Spuren verdoppeln sich. Kannst Du uns den Entstehungsprozess dieser Fotografien erläutern?

Das Projekt begann mit meinem Interesse für dieses Geotextil, das zur Abdeckung von Gletschern verwendet wurde. Es ist eine sehr zeitgemässe Art, mit Umweltfragen umzugehen: es stoppt zwar nicht das Abschmelzen der Gletscher, doch verlangsamt diesen Prozess. Nach einer Saison, die das Textil auf dem Eis verbracht hat, ist es sichtlich durch seine Umgebung – die starke Sonne, Wasser, Schlamm und Rost – geprägt und trägt daher bereits Spuren menschlicher Eingriffe in die Natur.

Für Monuments verwende ich Abschnitte aus Textilien, wie sie für die Wintersaison vom Berg heruntergenommen werden. Die Herausforderung bestand darin, einen Weg zu finden, die Bilder aus den alpinen Archiven, die ich gesammelt hatte, darauf zu drucken. Der einzige Weg war schliesslich die Lithographie, eine sehr alte Art des mechanischen Drucks. Das Projekt erlaubt es mir, auf verschiedenen Ebenen zu spielen: Das Hauptmaterial ist ein Produkt des Einsatzes von Technologie im Kampf gegen das, was die Technologie selbst erzeugt hat. Hinzu kommen Fotoarchive und Dokumentationen aus dem letzten Jahrhundert, in dem die Romantik die Fotografie übernahm und die Notwendigkeit vermittelte, die Natur zu beherrschen, und schliesslich die Spuren des Gletschers selbst, die überall auf dem getränkten Geotextil zu finden sind. Das fertige Druckwerk führt all diese Schichten von Zeit und Raum auf einer Ebene zusammen.

Deine Fotografien bilden keine Landschaften ab. Vielmehr stellen sie eine physische Auseinandersetzung mit Phänomene unserer realen Welt,  dem Klimawandel, der globalen Erwärmung, Einflüssen des Menschen dar. Gab es eine Initialzündung, die dich dazu bewegte, sich damit (fotografisch) auseinanderzusetzen?

Ich bin in einem sehr kleinen Dorf in der Westschweiz aufgewachsen. Als Kind war ich den ganzen Tag draussen, spielte im Wald und baute Baumhäuser. Es war also schon eine sehr spielerische und unbeschwerte Denkweise. Das Erleben der Aussenwelt begann meist mit Büchern, Atlanten und Lehrbüchern mit Bildern der berühmtesten Orte der Welt – Regenwälder, Wüsten, Schneestangen,… Natürlich in einer sehr idealisierten Art und Weise, wie die Natur in Büchern aussehen soll. Die Idee des Reisens, ohne sich zu bewegen, ist seit jeher ein Teil von mir, und der Vektor der Realität zu mir war offensichtlich die Fotografie. Ich habe es erst spät bemerkt, doch jetzt blicke ich zurück und sehe, dass es eine grosse Wirkung auf mich hatte. Dies wurde durch die erste Internetverbindung, die wir zu Hause installiert haben, noch verstärkt. Jeder Ort auf der Welt war plötzlich per Mausklick erreichbar.

Für Monuments wurdest du als Foam Talent 2020 geehrt – einem der renommiertesten Auszeichnungen für junge Fotokünstler des Fotografiemuseum Amsterdam. Was bedeutet eine solche Auszeichnung für dich?

Ich habe mit dem Fotografieren begonnen, als ich ein Foam Talent Magazin in den Händen hielt. Es ist eine Ehre und eine Bestätigung für meine Arbeit. Doch ich betrachte es eher als einen Neuanfang, als eine Ermutigung, sich in die Richtung zu entwickeln und zu wachsen, die meiner Meinung nach uns alle betrifft. Es muss noch so viel erreicht werden!

Zu welchen Schlussfolgerungen kann denn die Ausstellung, und in diesem Sinne auch die Besucher*innen und Rezipient*innen deiner Werke, im Idealfall kommen?

Ich stelle lieber Fragen als Antworten zu geben. Die Ausstellung ist eine Landkarte meiner aktuellen Gedanken und Experimente, die Art und Weise, wie ich über meine Sorgen gegenüber der Gesellschaft kommunizieren kann, aber sie soll auch neue Perspektiven eröffnen und eine andere Sichtweise auf unsere Beziehung zur Natur, die Zerbrechlichkeit unseres Ökosystems in diesen schwierigen Zeiten vorschlagen.

Würdest du dich als Umweltaktivist bezeichnen, der mit den subtilen Mitteln der Kunst arbeitet, um die explosive Beziehung zwischen Natur und Mensch sichtbar zu machen?

Ich würde nicht von Zerstörung sprechen, aber sicherlich von einem rücksichtslosen Einfluss der Menschheit auf ihre Umwelt. Durch die Verbindung bestimmter Punkte innerhalb eines gegebenen Systems zielt meine Arbeit darauf ab, eine überraschende Kollision zwischen Konzepten zu erzeugen, die auf den ersten Blick irgendwie gegensätzlich erscheinen. Technologie, Natur, Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Mein Ziel ist es, diese Konzepte auf eine Abstraktionsebene zu bringen, weit entfernt von den üblichen Inhalten zu Umweltfragen, die wir regelmässig in den Nachrichten oder auf Netflix erhalten. Natürlich sind sie wichtig, doch die Aufgabe der Kunst besteht für mich darin, all diese Informationen zu vermischen, um eine neue Art der Lebenserfahrung zu schaffen. In dieser Hinsicht betrachte ich mich also nicht als Aktivistin. Themen wie Zeit, Erinnerung oder Darstellungen bringen oft dazu, über Verfall oder Verwandlung nachzudenken. Wenn man an Transformation denkt, ist es fast unmöglich, nicht über den Klimawandel nachzudenken, aber das ist für mich nur ein Teil davon.

Auch wenn ein Blick in die Zukunft im Moment vielleicht nur vage Bilder an uns heranträgt: Welche Rolle werden (und können) Ihrer Meinung nach Künstler und Fotografen bei der Gestaltung einer „besseren“ Zukunft spielen?

Es ist definitiv die Rolle der Kunst, über die Gegenwart nachzudenken – zu reflektieren, zu hinterfragen, um das Bewusstsein und vor allem eine kritische Haltung gegenüber Dingen zu fördern, die wir für selbstverständlich halten. Die Konsequenzen daraus könnten erst in zukünftigen Generationen wirksam werden, aber es ist äußerst wichtig, weiterzumachen und immer wieder Perspektiven zu eröffnen.