Erlenwald

Entretien avec le photographe Sandro Livio Straube

Pendant quatre ans, Sandro Livio Straube a parcouru le Val Lumnezia dans les Grisons et qualifie de pâles les photographies prises à cette époque. La caméra analogique de moyen format comme support privilégié et la limitation d’une longueur focale fixe ainsi que du périmètre spatial, ont conduit à une étroitesse recherchée et donc à une perception plus intense. Les photographies montrent ce qui n’existe que rarement dans nos mémoires. L’année dernière, en pleine période de fermeture, l’œuvre a été présentée pour la première fois sous forme d’exposition individuelle à la Galerie 94. Des expositions virtuelles de groupe à Photo Basel et Photo LA ont suivi. Cette année, le photographe et artiste basé à Zurich a remporté la bourse de mérite de Chico Hot Spring Reviews, un programme qui encourage les relations entre les artistes et les professionnels de l’industrie et met en contact les photographes participants avec des professionnels de l’industrie, des galeristes, des conservateurs de musée et des éditeurs de livres de photographie. Le photographe né à Zurich travaille actuellement sur une nouvelle série intitulée 473 Meters. Nous avons parlé avec le photographe et l’artiste sur Zoom de projets personnels, de la décélération, et de la façon dont le médium de l’image change dans un monde de plus en plus parfait et saturé d’images.

Sandro Livio Straube, né en 1992 à Zurich, est architecte et photographe. L’image comme médium l’a constamment accompagné pendant ses études à l’ETH Zurich et a conduit à divers projets photographiques et artistiques tout au long de son parcours. Il fait la navette entre Vella et Wädenswil. Depuis l’année dernière, il est représenté par Sascha Laue et sa galerie 94. C’est une galerie d’art qui met l’accent sur la photographie contemporaine et classique et présente des artistes nationaux et internationaux.


 

Sandro, comment êtes-vous entré dans la photographie?

Sandro Livio Straube : Probablement par l’intermédiaire de mon grand-père. Il a saisi chaque instant. Son matériel, sa technique me fascinaient, tout comme la mémoire des images. Souvent, on ne se souvient des choses qu’à travers le visuel, l’image. Plus tard, mon père m’a donné un appareil photo 35 mm. Cependant, devenir photographe n’a jamais été à l’ordre du jour.


Au lieu de cela, vous avez étudié l’architecture à l’ETH, et en plus d’être photographe et artiste, vous êtes également architecte.

L’architecture a toujours été pour moi plus qu’un simple travail de maquette. L’architecture est un art de la construction. Derrière, il y a une image, une ressemblance. Ainsi, même dans mon mémoire de diplôme, je me suis principalement concentré sur les images des dessins et modèles, et sur ce qu’une image peut communiquer. Aujourd’hui, mes deux activités sont fluides, la photographie étant désormais au centre des préoccupations. Tout à coup, mon travail d’architecte s’est également orienté vers la photographie, dans le sens où j’accompagne photographiquement des chantiers ou des maquettes d’architecture, par exemple, et développe ainsi une nouvelle vision de l’architecture.


Depuis cinq ans, vous photographiez dans le Val Lumnezia, dans les Grisons, et vous avez intitulé la série « Mountains Bleach ». L’œuvre représente votre première présence publique en tant que photographe. Comment l’idée est-elle née ?

Enfant, je voyageais beaucoup avec mes parents et je ne restais jamais longtemps au même endroit. Pour la première fois, je me suis sentie nostalgique d’un endroit où je pouvais arriver. Même quand j’étais enfant, j’allais souvent à Vella, et chaque fois que je devais quitter l’endroit, je ressentais ce désir. J’ai donc décidé de faire quelque chose et j’ai déménagé là-bas. J’avais déjà les images en tête.


Qu’est-ce que Berge bleichen?

Au fond, Berge bleichen représente une évasion de la densité sursaturée de notre société dans laquelle nous évoluons. Une évasion dans un monde sans prétention de sens ou de glamour – une place complètement laissée à elle-même. C’est une qualité que l’on ne retrouve plus souvent. En prenant toujours soin d’avoir un bon reflet de tout. Le blanchiment des montagnes est emblématique de cette décélération dans un monde de plus en plus parfait et sursaturé.


Quel est le titre « Mountains bleach » ?

La Vallée de la lumière (Val Lumnezia en romanche) se caractérise par le soleil et la lumière pâle. Comme la société, l’environnement semble décoloré, insaturé. Les montagnes blanchissent de bien des façons. Eux-mêmes, par l’érosion, le soleil, la pluie. Mais ils blanchissent aussi leur environnement, par leur puissance et leur masse de formation rocheuse. Je trouve cette relation passionnante et incroyablement belle.


Comment avez-vous abordé le projet?

Blanchir les montagnes est un projet très personnel. Je me suis éloigné de mes obligations quotidiennes et aussi de mon environnement social. D’habitude, je me levais le matin sans savoir ce que j’allais photographier, sauf que j’allais me déplacer dans la vallée. Je suis fasciné par le défi que je me lance sans cesse pour voir quelque chose de nouveau dans ce périmètre limité. Ce qui est fou, c’est que même le dernier mois avant l’exposition, une dernière image a été ajoutée. Je viens de passer à côté de cela pendant des décennies. Trouver cette image est ce qui me motive encore aujourd’hui.


 A-t-il toujours été clair que vous alliez exposer les photographies?

Pas du tout. Je prenais déjà des photos de l’œuvre avant même de savoir qu’elle allait devenir une œuvre. Je n’ai consciemment travaillé sur la série que pendant les deux dernières années. Ce n’est qu’à la fin de 2019 que j’ai entamé un échange avec mon galeriste actuel, Sascha Laue. Il est monté à bord immédiatement.


Que signifient les expositions pour vous?

En tant qu’artiste, il est très précieux de pouvoir mettre de côté ses propres doutes pour une fois. En outre, je trouve agréable que les photos soient perçues par le public.


Pouvez-vous nommer une ou deux images qui ont une signification particulière pour vous?

D’une certaine manière, l’image de la chapelle disparaissant dans la neige. C’est une image que j’ai vue quand j’étais enfant, mais que je n’ai jamais su capturer photographiquement. Elle représente l’attente, la patience. La chapelle est devenue la photo de couverture. Puis il y a l’image de deux troncs qui s’élancent vers le ciel. Une image très simple. Il est intéressant de noter que les deux malles ont disparu deux semaines plus tard. Ce qui est passionnant, c’est que beaucoup d’images n’existent déjà plus. Pris, ils ont déjà disparu. L’éphémère et les traces de ce qui est déjà passé, c’est ce qui m’intéresse.



Tous les clichés ont été pris avec un appareil photo analogique de format moyen et une longueur focale constante. Pouvez-vous nous expliquer la technique ? Qu’est-ce qui vous fascine?

Tourner en analogique vous limite de façon magnifique. Il faut du courage et de la patience. Pour le blanchiment des montagnes, j’ai travaillé avec une longueur focale fixe, ce qui était bien dans le sens où cela me donnait un cadre limité, ce qui bien sûr peut parfois être frustrant car certaines images ne deviennent tout simplement pas possibles. Actuellement, je travaille à nouveau de manière plus numérique. Il est important pour moi de rester toujours ouvert aux nouveaux procédés et techniques.


473 mètres, c’est donc une série numérique?

473 Meter est clairement une œuvre numérique. Les images changent avec mes sensations et mon environnement. Je suis actuellement dans une nouvelle situation de vie qui nécessite une nouvelle technique. C’est un défi, inhabituel, mais aussi très excitant.


Qu’est-ce que c’est que ces 473 mètres?

Ironiquement, comme pour Berge bleichen, je me suis limité à un rayon géographique réduit. 473 mètres, c’est la première fois que je me rends à pied à l’école ici à Wädenswil. Avec des verrouillages et des cercles de mouvement de plus en plus petits face à la situation, 473 mètres représentent de courtes distances. En parcourant toujours les mêmes distances, la vue change. Le fait que nous soyons peut-être simplement plus concernés par ce qui nous entoure, je pense que c’est une opportunité bienvenue. En faire l’expérience est une expérience précieuse.


La série se compose exclusivement d’images en noir et blanc, pourquoi?

Aux couleurs j’associe des souvenirs, le noir et blanc représente pour moi une abstraction intemporelle. Les images racontent leur propre histoire.


Que se passera-t-il avec le 473 Meter?

Je ne sais pas encore ce qu’il en adviendra. Ce que je peux dire, cependant, c’est qu’il y aura des gens dans la série : Il y aura des gens dans la série, et une exposition est prévue pour l’année prochaine.


Que souhaitez-vous pour l’avenir de la photographie?

Qu’il y ait plus de liberté pour les perspectives artistiques serait une exigence pour la photographie elle-même. L’industrie souhaiterait que les photographes soient également autorisés à mettre en œuvre cette perspective artistique libre dans leurs travaux de commande.


 

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