FEMALE VIEWS – Édition avec Johanna Hullár

Johanna, comment es-tu venue à la photographie ?
Quelle a été ta première rencontre ?

Depuis mon enfance, je dessine, je fais de la poterie, je passe mes étés dans des camps de graphisme ou je participe à des ateliers de photographie. Ma mère a fortement encouragé la créativité. En guise d’école préparatoire à l’école d’art, j’ai fréquenté le lycée artistique de Hongrie où j’ai grandi et où j’ai suivi chaque samedi des cours spécialisés supplémentaires de photographie, d’histoire de l’art et de dessin. La photographie avait lieu tous les jours. J’ai appris la photographie d’une manière très classique. Cette compréhension de la composition de l’image et de la lumière est aujourd’hui ma base, de sorte que je peux utiliser n’importe quel appareil, dans n’importe quelle situation. Il a toujours été clair que je voulais continuer dans cette voie.

Comment as-tu trouvé ton propre style ?

J’ai donc commencé un bachelor en photographie en Hongrie. Mais là-bas, j’étais presque trop artistique, car le cursus était fortement axé sur la pratique et la technique. Après un semestre à l’étranger au Danemark, j’ai déménagé à Berlin, où j’ai suivi un bachelor en design de communication à la Technische Hochschule, où j’ai pu appliquer davantage mon approche artistique dans un contexte technique et de design. De là, j’ai commencé à me rapprocher de ma propre esthétique : le mélange de photographie cinématographique et d’images fixes est encore aujourd’hui un élément central de mon travail. À Zurich, j’ai professionnalisé le métier en tant qu’assistante, j’ai travaillé pendant près de trois ans dans le studio d’annabelle et j’ai pu acquérir une expérience précieuse dans la production de séries de mode et de natures mortes. De la mode, j’ai été de plus en plus attirée par le monde de la nature morte, jusqu’à ce que je postule en 2018 pour un master à l’ECAL afin de me concentrer principalement sur les natures mortes. J’ai obtenu mon MA en 2020 avec le travail If I Could Only Be Sure, exposé à plusieurs reprises.

Comment décrirais-tu ton esthétique et ta pratique ?

Le storytelling par la photographie. Je m’intéresse aux films qui semblent très photographiques, mais qui n’ont rien à voir avec le cinéma au sens traditionnel du terme. L’esthétique de toutes mes installations vidéo est clairement basée sur des idées d’images. J’appelle aussi ce type de photographie de la photographie élargie. À cet égard, l’ECAL m’a encouragé et soutenu dans mes visions conceptuelles et artistiques, et m’a donné de nouveaux outils techniques tels que CGI, VR, et la photographie matérielle. Les natures mortes ont souvent pour but de vendre quelque chose – un code visuel utilisé dans la publicité et dans le travail artistique. Cette confrontation et cette réflexion sur le genre de la nature morte, avec toutes ses métaphores et ses significations, me fascinent. Mon objectif est de développer mon propre langage et mon propre symbolisme afin de donner forme à mon message.

Y a-t-il des modèles visuels dont s’inspire ton travail ?

Il est certain qu’il y a eu de super nombreux apports pendant les études de master à l’ECAL. Les travaux de l’artiste Pippilotti Rist ont également toujours été importants : donner de l’espace à l’installation vidéo, créer un espace visuel, l’acte du moment. Beaucoup de photographes se concentrent sur l’instant présent. Moi, je m’intéresse aux processus intermédiaires, car la photographie est toujours un moment, mais elle va aussi plus loin. Par conséquent, il y a beaucoup de répétitions dans mon travail, un processus continu.

Un projet exemplaire pour toi ?

L’installation vidéo de 7 minutes If I Could Only Be Sure représente pour moi, à l’heure actuelle, l’un des travaux les plus intimes et les plus sincères que je ne modifierais plus. Elle peut rester telle qu’elle est. Comme je suis une perfectionniste, les processus créatifs sont souvent très longs et continus. On tombe enceinte d’une idée, on s’en occupe intérieurement, on la mûrit.

Mais à un moment donné, il faut pouvoir lâcher prise et achever le travail ! Ce travail s’inspire de la capacité humaine à se transformer émotionnellement, à se métamorphoser, puisque nous, les humains, changeons constamment au cours de notre vie. Il s’agit de se confronter au cours des choses, au cycle de la vie, et au désir de pouvoir remonter le temps. La vidéo est un format très approprié pour cela, car au lieu de remonter le temps, comme c’est le cas dans la vie réelle, où le temps ne peut pas être remonté, la vidéo recommence toujours au début, en boucle.

Sous le titre Burning Desires,
tu as réalisé la cinquième édition de FEMALE VIEWS.
Quel est le thème de ce travail et que considérons-nous ?

Comme toutes mes œuvres, Burning Desires est basé sur une expérience ou une observation personnelle que je souhaite refléter artistiquement. Il s’agit toujours de transmettre des émotions. J’ai trouvé le thème imposé au départ, « Rêves », difficile, car il permettait à la fois tant et si peu de choses. Mais avec le temps, je l’ai aussi trouvé utile d’une certaine manière. Les rêves ne reposent pas sur le fait de rêver pendant le sommeil, mais sur nos représentations et nos désirs. Ce travail traite de tels rêves et désirs, qui restent toutefois parfois une utopie, se fondent dans le feu sous la forme d’un processus de destruction créatif, pour devenir ensuite quelque chose de nouveau. C’est souvent à travers de telles expériences que nous trouvons notre véritable voie. Pour moi, Burning Desires est donc un travail qui peut être lu par tous, car il est inaltéré.

Comme dans tous mes travaux, nous voyons un collage presque poétique d’objets du quotidien qui, à première vue, semblent visuellement attrayants et consommables. Mais ils finissent aussi dans le chaos, car ce processus créatif de destruction – comme les sentiments qui surgissent lorsque nous réalisons qu’un rêve ne se réalisera pas – fait en sorte qu’ils se trouvent dans un processus de changement constant et face à des éléments opposés comme le feu et la glace, ce qui est parfois représenté par des gros plans extrêmes, un style caractéristique de mon travail.

Comment as-tu abordé ce travail ?
Peux-tu nous en dire plus sur ton processus ?
Qu’est-ce qui a été important au cours de la réalisation ?

D’après mon expérience, le travail artistique créatif se déroule en plusieurs phases. Au début, il ne se passe peut-être rien ou peu de choses visuellement. Soudain, l’idée est là, je dois alors la mettre en œuvre immédiatement. Souvent, cela va très vite, entre l’idée et la première ébauche d’image, il faut peut-être une heure. Puis vient le processus de maturation. Les scènes sont reconstruites, encore et encore. Parfois, il faut se forcer, par exemple lorsqu’il manque encore une image. Mais la plupart du temps, c’est précisément à ce moment-là que rien n’apparaît. Le lendemain, l’image naît spontanément. Mes photos ne sont pas planifiées dans le sens où l’on sait où l’on va mettre les choses. Cela se passe toujours intuitivement, spontanément, sur le plateau. Burning Desires a été entièrement réalisé en extérieur, avec des miroirs pour refléter la lumière. Je travaille toujours avec une équipe, j’ai à mes côtés des stylistes de plateau, des assistants techniques ou des amis et de la famille qui me soutiennent. C’est essentiel. Même s’il ne s’agit que de transporter le bloc de glace qui est encore dans le congélateur et qui doit arriver rapidement sur le plateau.

Comment était-ce de travailler avec le système GFX ?
Comment l’appareil photo t’a-t-il aidé ?
Y a-t-il eu des défis ?

Ce qui est intéressant avec le système GFX, c’est que la photo et la vidéo commencent avec le même déclencheur. Au début, cela a été très déroutant pour moi, ou plutôt il a fallu que je m’y habitue. Comme l’autofocus se fait avec le même déclencheur, j’ai d’abord manqué certaines situations. J’aurais aimé avoir un bouton Rec. (rires) À part cela, je suis incroyablement enthousiaste. J’ai déjà travaillé avec le GFX100, et le GFX100S est définitivement une amélioration. Il est super rapide, l’autofocus est fait pour les arrêts sur image et la qualité d’image est énorme. Au début, je ne voulais donc montrer que des gros plans, tant la résolution est énorme. Pour les tirages grand format ou les écrans, c’est le must.

Que signifie pour toi le regard féminin ?
Existe-t-il, selon toi, un regard spécifique au genre ?
Est-il pertinent ?

Il y a de plus en plus de femmes photographes, mais le secteur est toujours dominé par les hommes. Je dirais que le rapport est de 80/20. La photographie est par nature un travail très physique, auquel s’ajoute le savoir-faire technique nécessaire. Pour ma part, grâce à ma formation de photographe, j’ai des connaissances techniques très approfondies. Mais je suis peut-être aussi un peu ringarde. Je trouve donc d’autant plus important qu’il existe des plateformes comme Female Views, qui nous donnent, à nous les femmes photographes, la possibilité de développer très librement un projet personnel de plus grande envergure et d’être visibles grâce à notre langage visuel. Car lorsqu’il le faut, ce sont encore la plupart du temps les collègues masculins qui sont sollicités, surtout pour des mandats plus importants.

Qu’est-ce qui devrait changer pour que le genre ne joue plus aucun rôle dans la photographie ?

D’une part, les femmes devraient avoir plus confiance en elles et exiger davantage de ce qu’elles veulent. En fin de compte, le sexe ne joue aucun rôle. Ce qui compte dans cette branche, c’est la persévérance et une sacrée discipline. Ce n’est pas seulement le cas dans la photographie, mais aussi dans le secteur créatif en général. Nous, les femmes, nous voulons toujours tout bien faire. Non ! Nous ne devons pas toujours tout bien faire. Nous avons aussi le droit d’avoir des visions et des passions !

Pour finir, jetons un coup d’œil vers l’avenir : quelle est ta vision de la photographie de demain ?

Tout a déjà été photographié. Partout, il y a déjà une référence ou un modèle. On peut prendre ces références consciemment, les assembler et les reconstruire et les interpréter. Mais je trouve qu’il est souvent très difficile aujourd’hui de faire quelque chose de nouveau visuellement. En ce qui concerne la consommation du visuel, je souhaiterais que le visuel soit considéré et réfléchi d’une nouvelle manière. C’est là qu’intervient la sémiotique, les messages que nous transmettons en tant que photographes. Comment puis-je inciter les gens à s’arrêter et à regarder quelque chose ? C’est une question que nous devrions nous poser plus souvent en photographie. Cela demande avant tout une chose : du temps.