Meister des Surrealen: Im Gespräch mit Nathalie Herschdorfer

Kuratiert wird die Ausstellung von Nathalie Herschdorfer, einer Kunsthistorikerin, die sich auf die Geschichte der Fotografie spezialisiert hat und als Direktorin des Museum of Fine Arts Le Locle seit 2014 mehrere mindestens genauso namhafte Ausstellungen umgesetzt hat. Wir haben mit ihr über die erste Fotoausstellung des Künstlers in der Schweiz, Lynchs surreale Bildsprache, und die Art und Weise, wie wir Bilder lesen, gesprochen.

Können Sie uns zunächst erzählen, wie Sie zur Fotografie gekommen sind? Was ist Ihr Hintergrund?

Nathalie Herschdorfer: Ich bin keine Fotografin, das ist sehr wichtig zu sagen. Ich bin Kunsthistorikerin, spezialisiert auf die Geschichte der Fotografie, was bedeutet, dass ich einen sehr breiten Blick auf die Fotografie habe. Mittlerweile arbeite ich seit über 20 Jahren in Museen. Seit 2014 bin ich Direktorin des Museum of Fine Arts Le Locle. Ich betrachte mich wirklich als Kurator, als Ausstellungsmacher, das ist mein tägliches Leben.

Sie unterrichten auch die nächste Generation in Fotografie, z. B. bei Ecal. Wie bereichert das Ihre kuratorische Arbeit? 

Wenn man mit der nächsten Generation spricht, der Generation, die in Zukunft mit Bildern umgehen wird, ist es entscheidend, über Fotografie nachzudenken, über die Geschichte der Fotografie, über die Rolle und den Einfluss der Fotografie. Dieser Fokus hilft mir als Kuratorin, anders zu denken und wie man mit diesen Themen umgeht. 

Sie kuratieren die David-Lynch-Ausstellung INFINITE DEEP, die am 26. März im IPFO Haus der Fotografie Olten eröffnet. Wie sind Sie an die Fotografien Lynchs herangegangen? 

Interessanterweise habe ich gerade eine Ausstellung über Stanley Kubrick als Fotograf (nicht als Filmemacher) im Musée des beaux-arts du Locle. Es ist für mich sehr interessant, diese Künstler, beide Filmemacher, zu betrachten und zu sehen, was sie aus einer differenzierten Perspektive gemacht haben. Die Art und Weise, wie sie an die Fotografie herangehen, ist ganz anders als die Filme, die sie gemacht haben. Und doch gibt es sehr viele Überschneidungen zwischen Kino und Fotografie. Am offensichtlichsten ist der Blick in eine Kamera. Alles dreht sich darum, die Welt zu rahmen und eine Erzählung zu kreieren. Ausserdem habe ich eine starke Verbindung zu Lynchs Arbeit, es gibt eine Art von Atmosphäre, eine Art von Mysterium, das Teil seiner Filme ist. Das gleiche Gefühl hat man, wenn man sich seine Fotografien ansieht. Es ist spannend zu sehen, wie wir diese Bilder aus den Filmen in die Fotografie übersetzen können. Aber ich würde Lynch nicht in eine Schublade stecken – im Gegenteil, sie sind sehr David Lynch. In diesem Sinne ist es interessant, dass sein fotografisches Œuvre etwas in das Gesamtwerk einbringt, was Lynch in die Kunst gebracht hat.

Es ist die erste Ausstellung der fotografischen Arbeiten von Lynch in der Schweiz. Was wird gezeigt?

Die Ausstellung versammelt 115 Fotografien, die sich mit zwei Schwerpunkten oder Werkgruppen beschäftigen: Die erste Gruppe sind die verlassenen Fabriken, die Industriearchitektur, mit der er sich fast zwei Jahrzehnte lang beschäftigt hat und von der er sehr fasziniert war. Die zweite Werkgruppe ist der weibliche Körper, die «Nudes» oder Aktbilder. Zudem zeigt die Ausstellung einen Animationsfilm, den Lynch 2005 gemacht hat. Natürlich kennen wir seine Filme, sie sind Teil der Kinogeschichte. Aber dieser kurze Animationsfilm gibt eine andere Perspektive auf andere Dinge, die er in der gleichen Zeit macht.

Wie wurden die Werke ausgewählt, welche Kriterien waren für Sie als Kuratorin entscheidend?

Lynch begann in den 1980er Jahren zu fotografieren. Er entschied sich dann, in Schwarz-Weiss zu arbeiten. Was Sinn macht, denn in den 1980er Jahren arbeiteten Fotografen, die als Künstler gelten wollten, in Schwarz-Weiss und nicht in Farbe. Er konzentrierte sich auch hauptsächlich auf diese beiden Themen, Industriegebäude und Akte. In diesem Sinne gibt es eine Art von Zeitlosigkeit in seinen Fotografien. Wenn man sich ein Bild von Anfang 1985 und 2005 ansieht, kann man nicht wirklich sagen, wann es aufgenommen wurde. Dementsprechend folgt die Ausstellung auch keiner chronologischen Reihenfolge, sondern konzentriert sich auf die Zeitlosigkeit dieser beiden exemplarischen Werkgruppen.

Können Sie ein oder zwei Werke nennen, die für Sie eine besondere Bedeutung haben? Warum?

Es gibt eine Serie, die «distorted nudes», auf Deutsch «verzerrte Akte» heisst. Der Akt ist ohnehin ein starkes Genre in der Geschichte der Kunst. Im 19. Jahrhundert war der Akt in der Fotografie sehr wichtig, denn anfangs half die Fotografie den Malern, wie man weibliche Körper malt. Dann brachte die Fotografie auch das pornografische Bild. Natürlich gab es schon Bilder, die pornografisch waren, und wenn man sich die Geschichte der Fotografie anschaut, ist es immer ein männlicher Blick auf einen weiblichen Körper, ein voyeuristischer Ansatz. Im Jahr 2000 entdeckte David Lynch ein Buch über die Geschichte des Aktes in der Fotografie. In diesem Buch befanden sich Reproduktionen von Bildern, die wir als pornografische Bilder aus den 1920er Jahren bezeichnen würden. Was er tat, war – Sie wissen, wir befinden uns in den 2000er Jahren, dem Beginn der Idee der digitalen Fotografie und des Experimentierens – sie mit Photoshop zu manipulieren und zu verändern, um sie ein wenig fremdartig, erschreckend zu machen. Man kann das Thema immer noch erkennen, in dem Sinne, dass die Bilder sexuell ansprechend waren. Aber Lynch spielt und experimentiert mit dieser Bildsprache. Es ist interessant, wie er diese Geschichte heraufbeschwört und zu sehen, wie sich die Fotografie im Laufe der Zeit verändern kann. Je nachdem, wer sie anschaut, betrachtet man sie anders.

Eine weitere Besonderheit von Lynchs Arbeiten?

Er braucht keine Kamera, um diese Bilder zu produzieren. Lynch arbeitet aus den Archiven, was in der Fotografie eine grosse Sache ist. Er kommt aus der analogen Fotografie, aber die Tatsache, dass er Photoshop als Werkzeug sieht, zeigt, wie experimentell diese Spielwiese für ihn ist. Und letztlich erinnert es an den Surrealismus, denn in den 1930er Jahren spielten die surrealistischen Künstler wirklich mit diesen Themen – den Träumen, den Albträumen, den seltsamen, verzerrten Welten – und versuchten, Bilder über diese Fremdartigkeit oder Seltenheit zu produzieren. Für mich stellen seine Fotografien eine Hommage an den Surrealismus dar.

Zu welchen Schlussfolgerungen kann die Ausstellung, und in diesem Sinne die Besucher, kommen?

Was ist der Zusammenhang zwischen einer Fabrik und einem Akt? Überhaupt nichts! Die Ausstellung zeigt, wie die Fotografie einen in eine Welt der Träume, der geheimnisvollen Atmosphären, der Dunkelheit entführen kann. Man spürt diese sehr seltsame Atmosphäre vor den Fabriken, aber auch bei den Akten. Die Art und Weise, wie er mit diesen Themen umgeht, ist für mich sehr Lynch. In diesem Sinne besteht die Lektion darin, zu sehen, wie ein Künstler verschiedene Sujets so fotografieren oder behandeln kann, dass man als Betrachter das gleiche Gefühl hat, was letztlich sehr speziell für seine Arbeit ist – auch im Kino. Er nähert sich dem fotografischen Medium auf eine sehr freie Art und Weise, das Medium erlaubt eine Menge Freiheit. In diesem Sinne ist Lynchs Oeuvre sehr spezifisch. 

Warum ist es wichtig, gerade in aussergewöhnlichen Zeiten wie diesen, sich mit der Vermittlung und Ausstellung von Fotografie zu beschäftigen? 

Zeitgenössische Kunst mag manchen Menschen elitär erscheinen. Fotografie hingegen ist etwas, das für ein breiteres Publikum zugänglich ist. Fotografie ist heute unser Smartphone! Jeder kann Fotos machen und sie teilen – und das tun wir auch. Ich denke, wir sind heute visuell versierter als früher, und soziale Netzwerke haben die Art und Weise, wie Fotografie gezeigt und geteilt wird, radikal verändert. Dennoch sind wir immer noch sehr naiv, was Bilder angeht. Das sagt eine Menge über unsere Kultur aus. Die Art und Weise, wie wir die Dinge betrachten, ist eine extrem eingeschränkte Sichtweise. Und sie ist Teil einer visuellen Geschichte, die auf einer westlichen Bildsprache basiert. Ich denke, wir sollten mehr diskutieren, um uns bewusster zu machen, was Fotografie ist, welche Geschichten oder Narrative Fotografien erzählen. Wir sollten zum Beispiel unseren Kindern beibringen, Bilder zu lesen, zu verstehen, was sie erzählen können und dass sie manipuliert werden können. Dass sie nicht die Realität sind, das sind sie nie.

Welche Rolle werden und sollten Ihrer Meinung nach Kurator*innen und Fotograf*innen in der Fotografie der Zukunft spielen?

Als Kuratorin für Fotografie möchte ich eine breite Palette von Künstlern oder Menschen zeigen, die mit Fotografie arbeiten und das in eine Ausstellung einbringen. Denn eine Ausstellung ist eine Gelegenheit oder eine Umgebung, um etwas zu betrachten, das zum Nachdenken anregen kann. Ich kann David Lynch ins Museum bringen, aber ich kann auch Bilder ins Museum bringen, die ich in den sozialen Medien gefunden habe. Denn ich denke, sie sind genauso die Bilder von heute. Wir sollten sie uns bewusster anschauen. Und professionelle Fotografen haben hier eine Rolle, wie sie Bilder produzieren und sie in unsere visuelle Geschichte zurückbringen. Wir leben in einer spannenden Zeit, was Bilder angeht. Die Bilder, die produziert werden, sagen viel über eine Gesellschaft, eine Kultur aus. Für mich ist das ein faszinierendes Feld. Wir dürfen die Bilder nicht vernachlässigen. Sie helfen uns, die Gegenwart zu verstehen.

Über das IPFO Haus der Fotografie
Image © David Lynch „Emily Scream #1
Image © David Lynch „Snowman #1
Image © David Lynch „untitled (Factory, Lodz)
Image © David Lynch „untitled“ (Black and White Nude)
Image © David Lynch „untitled“ (Color Nude)